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Imagina que estamos en el año 2025, estás cenando con un amigo y tu teléfono comienza a vibrar con una notificación indicándote que en este preciso momento Charlotte De Witte está tocando uno de tus tracks en Tokio. A través de la misma aplicación encuentras distintas opciones de lo que puedes hacer: Ver como tocan tu track en vivo, guardarlo para verlo luego o seguir el DJ set de Charlotte para obtener información sobre el tracklist completo y guardarlo para incorporarlo en tu propio perfil como productor. Luego recibes otra notificación de la app: Gracias al hecho de que Charlotte tocara tu track has ganado regalías que fueron pagadas de inmediato, debido a que este track se encuentra registrado en una organización especializada en derechos de autor.
Actualmente existe casi toda la tecnología para hacer de este caso hipotético una realidad, solo falta la infraestructura o un modelo de negocios que pueda hacerlo posible. Ese es el argumento de partida para entender el efecto que puede llegar a tener la “Data War” en nuestra industria.
Para comprender a fondo esta situación, es imprescindible conocer el desarrollo de la tecnología en el área DJ durante los últimos meses. Mientras que servicios de streaming como Spotify y Apple Music han dominado los hábitos de consumo por más de una década, la norma para los DJs sigue recayendo en la compra y descarga de tracks para mantenerlos en sus USB o reproducirlos a través de un software.
Una vez que el track ha sido descargado, ofrece muy pocos datos que le permitan a las disqueras y artistas conocer el uso que se le está dando al mismo, dificultando la toma de decisiones y estrategias que se desenvuelven tras un lanzamiento. A diferencia de la data recolectada con plataformas streaming como Youtube, Spotify y Apple Music, la cual no solo afecta las estrategias que se realizan, sino que incluso moldea la forma en la que se hace música.
A lo largo del último año, SoundCloud y Beatport le han permitido a los DJs reproducir sus catálogos directamente en DJ softwares a través de su nuevo servicio de streaming LINK, acercándose un poco más al futuro que nos imaginamos.
A través de Beatport, artistas y sellos discográficos son capaces de crear charts y playlists desde hace años, muy pronto esa función también se permitirá a sus usuarios, creado una comunidad que girará en torno a la data.
Mientras los playlists, charts y la accesibilidad a los mismos aportarán un cambio positivo para principiantes, el stream de data tiene el potencial para cambiar la industria profesional por completo. Por ejemplo, una disquera no tendrá que invertir tanto dinero en promoción o investigar a fondo a un público específico para conocer en qué partes del mundo se están reproduciendo los tracks de los DJs que representan. Incluso, este sistema les permitiría establecer en cuales ciudades es más conveniente realizar giras y destinar esfuerzos comerciales.
Como planteamos en el caso hipotético del principio, la idea de una aplicación en tu teléfono que te indique cuando un DJ reproduce tus tracks trae un sinfín de beneficios, como el contacto directo con el mismo. Fomentando no solo el crecimiento individual del artista, sino el sentido de comunidad a nivel internacional. Y a pesar de que podrían existir detractores a esta propuesta tan vanguardista, sin duda es solo el comienzo, un vistazo inicial a lo que podría ser el futuro de la música electrónica.
Fuente: Declan McGlynn, Dj Mag
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La aplicación permite que sus usuarios descubran todos los detalles de su última gira de presentaciones, no sólo escuchar, sino tener una experiencia inmersiva dentro del universo que Hawtin creó con su más reciente LP, CLOSE COMBINED.
CLOSER no solo te permitirá explorar el futuro de la carrera de Richie al poder interactuar con él durante sus próximas presentaciones, sino que también te hará parte de su pasado. Periódicamente sus usuarios tendrán acceso exclusivo a sus sets antiguos, teniendo la posibilidad de interactuar, analizar y aprender mucho más de su legendaria técnica en cada uno de los archivos.
La app fue creada por Richie en colaboración con Telekom Electronic Beats y puedes descargarla acá.
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Comencemos con el principio del cual parte la primera forma: Tratar la drum machine como un deck más, sincronizando manualmente y aumentando o disminuyendo el tempo hasta que esté sincronizada. La segunda técnica, es usar un mezclador que tenga detección por beat y salida midi (como el Pioneer DJM 800 o alguno de la serie DJM 900). Al hacerlo, el detector de beat puede inferir el tempo de cualquier canal en el mezclador y enviar el tempo a través de la salida midi para sincronizar la caja de ritmos.
Por último tenemos la tercera forma, que consiste en enviar una señal midi desde el software de dj en la computadora, directamente a la entrada midi de la caja de ritmos. Tanto Traktor como Ableton pueden enviar el reloj maestro a través de la salida midi, así que contamos con distintas opciones que nos pueden ayudar.
Analicemos estás formas con más detalle:
- Sincronización manual – A la oldschool
Sincronizar drum machines manualmente es la forma más rápida de comenzar, sin necesidad de un reloj midi. Sólo haz coincidir el tempo de la caja de ritmos con la pista de reproducción, y el arranque de la caja de ritmos a tiempo con el beat del cd player. Con el software de dj o los CDJs, configura el tempo de las pistas en un valor completo (por ejemplo, 124 BPM). Esto hace que sea más fácil establecer el tempo en la caja de ritmos.
Si la drum machine se sale de tiempo, usa la perilla de tempo fino para aumentar o disminuir hasta que esté sincronizada. La desventaja de este método, es que la caja de ritmos no seguirá automáticamente ningún cambio de tempo en la mezcla.
- Usando un mixer con salida MIDI y Beat Detection
Algunos mezcladores son capaces de detectar automáticamente el ritmo del audio entrante en cualquiera de los canales del mezclador. Si el mezclador tiene salida midi, los DJs pueden conectarlo a través de un cable midi a la entrada de la caja de ritmos. Una vez que está conectado, se puede enviar una señal midi desde el mezclador a la drum machine.
La desventaja del método de detección de beat / sincronización midi, es que no hay ajuste de tempo manual. Cada vez que se cambie el tempo, la sincronización / reloj midi caerá normalmente fuera de lugar y la única forma de volver a sincronizarlos es reiniciando el reloj midi. Para un mayor control, es mejor simplemente sincronizar la caja de ritmos manualmente.
- Sincronización a MIDI Clock desde el software dj
Esta opción es ideal para los djs que usan Traktor o Ableton, ya que pueden enviar el MIDI clock a la caja de ritmos con un controlador como el Kontrol S4. Sólo hay que conectar un cable midi desde la salida del Kontrol S4 a la entrada MIDI de la drum machine. Esto hará que la máquina sea un esclavo MIDI para el software, y de esa forma, seguirá su tempo.
Para el uso de Traktor cualquier tarjeta que tenga MIDI Out sirve, y los controladores que utilizan esa salida. También el protocolo MIDI existe vía conexión USB, por lo que si tu controlador o tarjeta de audio no tienen ese conector de igual forma puede usarse a través del USB.
Si te interesa aprender y profundizar sobre este tipo de configuraciones de setups para djs, te recomendamos conocer nuestro curso Dj Profesional Avanzado, en el cuál se abordan este y muchos otros temas. Y si tu interés recae en obtener una drum machine, puedes descubrir las más recientes ofertas que te ofrecen nuestros aliados de Dj Store, quizá quieras incorporar una a tu arsenal de equipamientos.
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Este próximo miércoles, 02 de octubre a las 19:00 hrs, contaremos con la presencia del dj, docente y fundador de nuestra academia, Andrés Salinas a.k.a Dj Wask, para dictar esta instancia en donde el foco estará en explorar a fondo las tecnologías digitales más actuales.
¿Deseas asistir? Para ello solo debes inscribirte en este formulario ¡Nos vemos!
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El próximo miércoles, 25 de septiembre, ambos djs nos darán consejos valiosos a partir de sus experiencias tras muchos años de éxitos como parte de su trayectoria. Conoce la diferencia entre distintos formatos para realizar presentaciones en vivo y aprovecha estos tips para desarrollar tu carrera.
¿Quieres asistir a esta instancia gratuita? Sólo debes llenar este formulario y estar en nuestra academia a las 19:00 hrs ¡Te esperamos!
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Después de un show para casi 13 mil personas en el Campo Argentino de Polo, otros cuatro agotados en el mítico Teatro Colón de su natal Buenos Aires y una reciente presentación en el festival británico Glastonbury, la “Cattaneomanía” se encuentra más desenfrenada que nunca en sus cientos de seguidores.
Y es que en gran medida este Dj internacional, con más de 30 años de experiencia, atribuye su éxito actual al crecimiento de la comunidad de música electrónica en latinoamérica. ¿La razón de este fenómeno? Esta leyenda argentina argumenta que con el pasar de los años este género ha ganado cada vez más espacios dentro del medio artístico, dejando atrás los prejuicios que solían asociarse al estilo de vida que rodea a la electrónica.
A pesar que todavía se cataloga como old school, Hernán Cattáneo agradece el impacto de las nuevas tecnologías en su profesión, pues según él ha globalizado el trabajo de los productores musicales, permitiendo enriquecer aún más cada una de sus propuestas artísticas. Como resultado de este momento tan inspirador en su carrera nace Sunset Trip, su próximo álbum que busca ampliar el panorama de la música electrónica y desafiar aún más fronteras.
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Lee lo siguiente y deberías estar en una buena posición para comenzar (o reiniciar) la creación de tu música, ya sea como un pasatiempo, semi-profesional o incluso como una carrera.
Entonces,
¿por dónde empezamos?
Los elementos básicos de una composición o canción son sus partes
constitutivas, es decir, los instrumentos (guitarra, batería, bajo, teclados,
etc.) y las voces. Estas son las ‘pistas’ y el núcleo del proceso de producción
de música es simplemente la forma de obtener los sonidos de cada pista,
organizarlos, mezclarlos y hacer que suenen ‘profesionales’.
El dispositivo que permite todo esto, y que se ha convertido en el corazón del estudio del siglo XXI, es la humilde computadora: una Mac, PC o, cada vez más, dispositivos portátiles como tabletas y iPads.
Secuenciadores
/ DAW’s
Más específicamente, por supuesto, es el software que ejecuta la computadora lo
que lo convierte en un centro de producción musical. Este software permite la
grabación, mezcla y masterización de pistas de música y se denomina
«secuenciador» o la «Estación de trabajo de audio digital»
con un sonido más grande (DAW).
Los secuenciadores varían en precio desde gratis hasta varios cientos de miles de pesos y, combinados con los potentes computadores de hoy en día, a menudo pueden permitir que se organicen juntos pistas de música ilimitadas. ¿Quieres una orquesta de mil personas? Estás loco, pero tienes lo que se necesita…
Edición de formas de onda en el entorno Cubase: uno de los líderes de la industria de DAW
Sonidos
Entonces, ¿de dónde provienen los sonidos y cómo los juntas en tu computador?
Es más fácil pensar en estos como ‘internos’ y ‘externos’ dentro del contexto
de tu entorno de escritorio. Puedes grabar ‘sonidos externos’ (guitarras,
voces, instrumentos acústicos como pianos y violines, o teclados electrónicos
como sintetizadores) y organizarlos juntos en tu secuenciador.
Estas son pistas de «audio digital»: no hay necesidad de preocuparse demasiado por el nombre ahora, pero se volverá importante más adelante. Contienen la información de audio real, la forma de onda grabada del instrumento externo.
Tres de los seis grandes: Cubase, Reason y por supuesto, Ableton Live
Ahora a los sonidos internos, sonidos generados dentro de tu DAW. La mayoría de los secuenciadores tienen lo que se llaman ‘instrumentos virtuales’ que recrean, por ejemplo, juegos de batería, teclados o guitarras para que toques con tu mouse o un teclado conectado.
Estas son conocidas como pistas MIDI. Una vez más, no necesitas preocuparte demasiado por la semántica, pero los datos dentro de una pista MIDI son más sobre la información de la nota (qué notas se reproducen, qué tan duras y por cuánto tiempo). Estas notas se pueden mover y editar después de ser grabadas simplemente usando el editor del secuenciador, haciendo clic en ellas y arrastrándolas por la pantalla.
El segundo tipo de sonido interno se llama muestra o sample. Nuevamente, se trata de audio, así que las grabaciones digitales de sonido real, pero son riffs, melodías, patrones de batería (loops) o partes vocales especialmente creados por terceros. Puede comprar colecciones de estos (en CD, DVD o descargar, ¡o puede obtenerlos gratis con MusicTech cada mes!) Y simplemente colocarlos en diferentes pistas para crear una melodía.
Tres de los seis grandes: Ableton Live, Logic y FL Studio. El estreno de DAW / secuenciadores
Entonces, tres formas diferentes de juntar sonidos para la creación de canciones. Ahora puede crear canciones usando sonidos externos, instrumentos virtuales y muestras o, más probablemente, una combinación de los tres. En teoría, eso es todo lo que necesita saber para ir a producir música, pero hay más si lo deseas, así que profundicemos un poco más y observemos cada método un poco más de cerca …
1. Grabación de sonidos externos
Cuando hablamos de ‘grabar’ en estos días, lo que generalmente entendemos es el proceso de obtener sonidos externos (voces e instrumentos) en un computador. Esto podría ser simplemente una cuestión de apuntar el micrófono de un iPad a un guitarrista y presionar grabar (no la mejor calidad) o grabar miembros individuales de una banda simultáneamente usando una ‘interfaz de audio’. Esta interfaz es una parte clave de la tecnología de la música. Es necesario porque la mayoría de los computadores simplemente no tienen las conexiones correctas para que puedas conectar instrumentos, por lo que tu interfaz podría permitir que tu baterista, guitarrista, bajista y vocalista se conecten directamente a tu computador, toquen y graben en las pistas de tu secuenciador.
Generalmente cuando grabas una banda en tu estudio, grabas una pista a la vez (tu guitarrista toca sobre la parte de batería ya grabada, por ejemplo). Pero con la potencia del computador tal como es y las interfaces capaces de grabar muchos instrumentos a la vez, no hay razón para que no puedas grabar toda la actuación en vivo de una banda, cada pista grabada individualmente, pero al mismo tiempo, con un computador y una interfaz adecuada.
La calidad de la interfaz también es un punto clave porque buscas obtener las grabaciones de mejor calidad de cada instrumento en tu computador. Comienza con una grabación de alta calidad y tendrás que hacer menos en el proceso de mezcla. Aquí es donde las cosas se vuelven un poco técnicas, ya que el proceso de grabar señales externas en un computador significa que estás convirtiendo señales analógicas en digitales, por lo que se requiere un buen convertidor de analógico a digital. Sin desear tener una apariencia demasiado geek para las interfaces de 24 bits a 96 kHz.
i) Tipos
de interfaz
Para poder conectar tus instrumentos y micrófonos a las interfaces para
grabarlos, ¿cómo se conectan estas interfaces a tu computador? Muchos utilizan
el conector USB que maneja los datos de audio sin ningún problema. Es posible
que más canales (entradas y salidas) requieran que uses la conexión Firewire de
la computadora y que haya adaptadores para convertir Firewire en las conexiones
Thunderbolt más nuevas.
ii)
Mejora de la señal de entrada
Como hemos dicho, la calidad de la señal es clave: coloca basura y está saldrá
como basura. Por lo tanto, otro componente clave en tu cadena de señal es el
pre-amplificador de micrófono, específicamente para, no es de extrañar, los
micrófonos. Si estás grabando una banda o muchos vocalistas, es posible que
necesite preamplificadores de micrófono para asegurarse de que la señal que
estás grabando sea lo suficientemente buena. Muchas interfaces de audio tienen
preamplificadores de micrófono incorporados, por lo que puede aumentar su nivel
de debilidad.
¡REGLA! Un componente clave en tu estudio es la interfaz. Invierte en uno bueno para grabar y entregar sonidos externos de la mejor calidad a tu secuenciador.
Es esencial obtener una interfaz decente: la gama Scarlett de Focusrite son líderes en la industria de las interfaces
iii) ¡Mejorando la señal … otra vez!
En la antigüedad, los escritorios de mezcla se usaban para grabar y contaban con elementos adicionales para manipular la señal de entrada como EQ (para ajustar los graves y los agudos); el preamplificador de micrófono mencionado anteriormente; compresión (para reducir los altos y bajos de una señal para que pueda elevarse en el volumen percibido, más sobre esto más adelante); y puertas de ruido (así que deja de ‘silbido’).
Con la mayoría de las mezclas ahora realizadas dentro de la computadora (ver más adelante) las mesas de mezclas reales se están volviendo cada vez más raras, pero las ‘tiras de canal’ se están volviendo cada vez más populares para emular canales individuales de una mezcladora, de modo que puede aplicar compresión, control de ruido, ecualización y preamplificadores Instrumentos individuales a medida que grabas tus señales en su computadora. Muchas bandas de canales se basan en mezcladores clásicos (de lectura «caros») que se utilizaron en el apogeo analógico de la grabación (los años 60 y 70) y brindan un carácter analógico clásico a tu señal.
Ten cuidado: puedes (y posiblemente deberías) gastar mucho dinero en interfaces y tiras de canal de calidad decente.
¡REGLA! Conseguir la mejor señal en tu computador es vital. Asegurate de guardar una parte más grande de tu presupuesto para una interfaz decente y una tira de canales o una combinación de ambas.
Así que ese es el mundo exterior de la música que se cuida. Con una interfaz decente, puedes grabar y conectar vocalistas e instrumentos a tu computador y grabarlos. Ahora tienes una pista tras otra de estas pistas de audio externas para reproducir y mezclar. Es hora de mirar dentro de tu computador y ver lo que tienes para ofrecer.
2. Usando Sonidos Internos: Instrumentos Virtuales
En teoría, no tienes que grabar nada del fuera de lo común si no quieres. toma un computador portátil con un secuenciador lleno de instrumentos virtuales y puedes hacerlo todo tú mismo, o al menos intentarlo. Los instrumentos virtuales ofrecen versiones de casi todos los instrumentos que puedas imaginar … y muchos que no puedes. Pueden recrear un kit de guitarra, piano, sintetizador o batería dentro de su entorno de secuenciador, todo reproducido y grabado con el mouse de tu computador, o un teclado / controlador MIDI.
Esta tecnología de instrumentos virtuales ha abierto diferentes mundos de la creación de música a audiencias completamente nuevas, por lo que incluso si no puede tocar una nota en un instrumento «apropiado», los instrumentos virtuales le permiten tocar, tocar, tocar, tocar y tocar, todo dentro de La seguridad de tu estudio virtual.
Los instrumentos virtuales han estado con nosotros desde hace algunos años y son bastante sencillos de programar, por lo que hay millones de donde escoger. Casi todos los instrumentos y sintetizadores de hardware clásicos se han emulado a lo largo de los años, al igual que muchos instrumentos que nunca han existido. De hecho, es justo decir que hay una opción alucinante. Afortunadamente, la mayoría de los secuenciadores ahora vienen con una buena selección de instrumentos virtuales que cubren muchas bases, por lo que si elige uno de los seis grandes DAW (Cubase, Logic, Pro Tools, Reason, FLStudio y Ableton Live) tendrá más que suficiente Poder virtual a tu alcance.
Sin embargo, si desea que suene de la manera más orgánica, acabada y profesional, te recomendamos Ableton Live en su versión 10.0. Pronto tendremos una guía para compradores que incluye algunos de los 10 principales en diferentes categorías, así que asegúrese de volver a consultar.
3. Usando Sonidos Internos: Muestras
Hay muchas, muchas compañías que producen muestras ya hechas de instrumentos, loops de batería y líneas vocales para que compres y disfrutes de sus creaciones musicales. Solía haber un poco de esnobismo sobre el uso de muestras, pero no tanto en estos días; de hecho, muchas melodías (y de hecho el género) se han basado en la inclusión de grandes muestras.
Puedes comprar colecciones de muestras basadas literalmente en cualquier cosa que puedas imaginar, ya que todo lo que puede grabarse probablemente se haya registrado y esté disponible. La música dance tiene ritmos, bajos y leads para todos los géneros. Todos los otros géneros son atendidos y hay colecciones basadas en instrumentos y culturas oscuras de todos los rincones del mundo. Muestras de instrumentos como estas también se pueden cargar en muestreadores de software, donde luego se pueden mapear en un teclado y luego ‘tocar’, agregando otro nivel de flexibilidad para el uso de la muestra. Las colecciones de muestra son excelentes como una solución rápida y especialmente útil si estás trabajando en muchas piezas musicales diferentes con plazos ajustados. Si deseas probar algunas muestras gratis, en el sitio web de Ableton.com tienes una amplia selección tanto gratis como de pago. Es posible que descubras que actúan como los huesos básicos de tus pistas y luego las realzas con VIs y grabaciones externas. De cualquier manera, son un ingrediente rápido y esencial y vale la pena echar un vistazo a algunas de las colecciones disponibles.
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Patricio Salinas aka Dj Tressor, director de la Academia Dj School, te enseñará según su expertise qué tipos de tracks y modos musicales se pueden instalar en un dancefloor dependiendo de factores como espacio, tiempos y público.
Regístrate con entrada liberada: http://bit.ly/DjSetSegunEscenario
Miércoles 21 de noviembre, 19 horas
Hindenburg 667, Providencia.
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Trémolo
-Trémolo es una modulación de volumen
-El volumen subirá y bajará cuando toques una nota
Vibrato
-Vibrato es una modulación del pitch
-El pitch subirá o bajará cuando tocas una nota
Para desarrollar estos efectos, deberías sumar un LFO para modular el pitch de tu instrumento o el volumen cada vez que se toca una nota. La tasa y la cantidad de LFO decidirá qué cantidad y cuán rápido el efecto será.
A continuación, les dejamos un video en dónde pueden apreciar auditivamente la diferencia entre estas dos variantes.
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El primer elemento que debes tener, es tu biografía más actual. Bookers y festivales a menudo tienen diferentes necesidades y límite de palabras para las biografías, por lo que siempre es buena idea incluir algunas versiones de diferentes extensiones, incluyendo un “elevator pitch”, una breve biografía (1 párrafo), una biografía mediana (unos pocos párrafos) y una biografía larga (4+ párrafos)
2- Fotos/Imágenes
El siguiente elemento para incluir en tu kit de prensa digital es una sección con fotos descargables (profesionales). Trata de tener fotos oficiales diferentes, con opciones verticales y horizontales, así como versiones en blanco y negro disponibles. Asegúrate de que algunas de esas fotos sean de alta resolución, en caso de que la persona de medios o el programador de festivales necesite usar la imagen para imprimir. También puedes incluir la imagen de la portada del álbum más reciente o de tu dj set, lo que puede ser especialmente útil para los críticos de discos o reviewers.
3- Música/ Dj Sets
Por supuesto, tendrás que tener tu música o último set disponible para escuchar, incluidas algunas pistas disponibles para descargar. Si una persona de medios quiere obtener una copia de tu álbum completo o EP para su revisión, deja información clara sobre con quién puede contactarse para obtener una copia. En el caso de que tu material sea un dj set, deja un link para que la gente lo pueda escuchar.
4- Video
A muchos blogs y sitios de medios les encanta incrustar videos de los artistas que están cubriendo, lo que ayuda a que el artículo sea más visual y atractivo. Inserta algunos de tus mejores videos en el kit de prensa digital, para que sea más fácil encontrar un video de calidad que mejor represente a tu banda.
5- Artículos de prensa / críticas
No sería un kit de prensa sin un poco de prensa, así que publica enlaces a algunas de tus mejores críticas y entrevistas. No supongas que la gente haga clic en cada artículo y los lea en su totalidad. Obtén la mejor cita de cada review e inclúyela debajo del enlace. También puedes darle más vida a esta parte de tu kit de prensa digital, al incluir los logotipos de la fuente de prensa al lado de cada artículo / reseña.
6- Logros notables
Si has sido nominado para algún premio, charteado en la radio, realizado presentaciones en festivales o conferencias importantes, eres miembro o jurado de una asociación importante, definitivamente debes incluir esa información. Todo lo que pueda ayudar a dar un contexto positivo a tu música y carrera debe estar en tu kit de prensa digital. En el caso de ser Dj, si tienes un premio o un reconocimiento de un actor importante del mercado, sea un medio o una asociación reconocida que sea seria, es bueno que lo hagas notar. Obviamente si ganaste algo hace 15 años, en un concurso que se hizo una vez y no tuvo ninguna relevancia, es mejor obviar para no quedar en ridículo.
7- Info de contacto
Aunque por supuesto, tener una sección de «Contacto» en tu sitio web es indispensable, también es bueno tener información de contacto detallada en tu kit de prensa para tener todo en un solo lugar. Incluye una dirección de correo electrónico y un número de teléfono donde una persona de medios o una persona que hace las reservas pueda comunicarse rápidamente contigo, a menudo trabajan en fechas límite ajustadas.
8- Redes sociales
Y finalmente, incluya tus enlaces sociales en la página, de modo que si la persona de medios o la persona que realiza la reserva quiere ver rápidamente su presencia en las redes sociales, tienen todos los enlaces allí. No tienes que exagerar, simplemente haz una lista de las redes sociales en las que estás más activo.
Empieza a crear tu press kit lo antes posible, es una pieza fundamental para el desarrollo comunicacional de tu perfil como artista. Puedes buscar algo de inspiración a través del siguiente link: http://bit.ly/PressKitInspire
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